Las horas llaman, cabestrillo fatal,
la paz se desmorona, caótico ser,
acumulas mis males en tu tesoro,
alma endiablada, rompe felicidad.
Me irritas, carcomes mi sinceridad,
prohíbes todas mis fortalezas
en pos de un sinvivir,
demonio llamado rencor, pura crueldad.
Matas mi cuerpo, pero no mi libertad,
ansias ser como yo, lo que logras es más odio,
envidia de un dios,
nunca sabrás lo que es la humanidad.
© 2022 Elías Enrique Viqueira Lasprilla (Eterno).
España.
El arte del Antiguo Egipto se ha caracterizado por maravillar a la población del futuro con sus obras maestras en constante intriga, misterio y jeroglíficos indescifrables para los de a pie. Estas características hacen de este mundo que se explaye en bellezas que jamás se hubieran imaginado, solo por algunos dotados de un don maravilloso. Sus maestrías fueron infundadas a sus actividades de grandeza y hasta de un tamaño más cotidiano, así como dignos de un faraón. Incluso divino.
Egipto es
caracterizado un lugar imperante para las cunas del arte. Se clasifica en períodos: Neolítico (4.000 -
5.300 a.C.), Badariense (4.000 - 4.400 a.C.),
Nagada I Amratiense (3.500 - 4.000 a.C.), Nagada II Gerzeense (3.200 - 3.500 a.C.) y Nagada III (3.000 - 3.200 a.C.). Durante estas épocas,
el arte fue enfocado hacia la decoración,
como las cerámicas, y al culto religioso con
un poder enérgico tan fidedigno que parecía de otro mundo. Se usaban las
vasijas de piedra para el empleo de sus artes.
El proceso de su
tratamiento artístico era deliciosamente meticuloso,
tan delicado que parece imposible que haya sobrevivido hasta hoy día. Los detalles y colores
bien conservados desde hace siglos adelante hasta nuestras jornadas, reflejan
el estilo tan supremo que tenían los artistas egipcios de aquella era para
destacar sus talentos para impresionar a los grandes reyes.
Las pinturas bajorrelieves son las que se hacían en planos superpuestos y designadas
con ánimo jerárquico, siendo el faraón siempre el más grande. La técnica del perfilado era el tema central a la hora de
representar las imágenes y símbolos, lo que hacía que sus personajes fueran
poco dinámicos y de un estatismo seco, aunque amplio de historia que se quería
demostrar. Aunque sus extremidades están al frente, no dista del perfilado con
el que se juega. Las escenas que se representaban eran las del día a día en los
templos y en papiros.
Su arquitectura es excepcional y, como se dijo antes, de una grandeza
exquisita. Plenamente religiosa, su empleo
era altamente monumental e imperioso, ya que
debía reflejar el entusiasmo y la invulnerabilidad de una civilización única y
mítica. Se fomentaba la gran piedra como tema principal, en bloques
discretamente cortados para que encajaran unos con otros, y con dinteles en
columnas poderosas. También se moldeaba el adobe en las casas y en palacios.
Los conocimientos matemáticos y ciencias de
la construcción fueron capaces de “adivinar” la colocación exacta, no solo de
materiales, sino de la obra en sí para que, de lejos, pudieran saber
extranjeros qué tierra pisaban. Lo que más figuraba hasta hoy día eran las pirámides, como las de Guiza.
Durante el Imperio Medio y
Nuevo, los templos pasaron de ser funerarios al culto a sus
dioses. Solo estaban dedicados a los grandes representantes, como
los faraones, y el pueblo bajo no podía
acceder a ellos, solo en presencia constructiva o mera ojeada.
Las esculturas que se fabricaban entonces, eran capaces de representar a
sus dignatarios y políticos tal y como los veían: imperiosos.
Se empleaba el granito y otros materiales
para sus elaboraciones. Sus monumentos más magnánimos se colocaban de frente, siguiendo su propia ley de la estructura y
dimensiones.
Durante el Imperio Antiguo (2.700 - 2.200 a.C.), se construyeron muchas de sus pirámides,
como la Gran Pirámide de Jufu. Eran
edificadas con grandes piedras talladas en bloque, así como hermosas
esculturas.
A partir del Imperio Medio (2.040 - 1.795 a.C.), las pirámides pasan a ser parte del
adobe, y las esculturas cobraron un realismo más natural.
La jerarquía se veía impuesta con mayor capacidad de dominio, pero sin “humillar”
la de sus dioses. La escritura, se conoce que
fue un clímax con la obra de la Historia de Sinubé.
El Imperio Nuevo (1.570 -
1070 a.C.), las joyas tomaron un empleo más
destacado. El oro era el material
preciadamente valioso para los egipcios, por lo que se empleaba en muchas de
sus obras. También en esta era se construyeron más templos, como el de Luxor.
En el Período Tardío (672
- 332 a.C.), la degradación de algunas obras tuvo que ser rescatada hasta
volver a “reutilizar el arte del Imperio Antiguo. El bronce
fue un protagonista innovador en los materiales. Otros emperadores, llegados de
Roma o Grecia durante el intervalo de 332 - 30 a.C., fueron los que resucitaron
las antiguas costumbres para mantenerlas en el tiempo. En esta era, el Templo de Horus es uno de los monumentos
destacados.
El Imperio
egipcio fue uno de los capaces de sustentar los ojos impregnados en el poder
del ser humano que posee para deslumbrar, así
como ser perdurable por muchos siglos. La inmortalidad
era el valor más preciado para ellos, y lo lograron con creces.
© 2022 Elías Enrique Viqueira
Lasprilla (Eterno).
España.
Desde lo más humilde,
cada ser busca su vida,
no aúna con la de otros,
muere por cada día que pide.
¿Cincuenta céntimos? ¡Eso me sirve!
Dar fe de una jornada viva,
poder oler los restaurantes,
la quema de nueces,
almendras, castañas y jengibre.
Más de una moneda, me dice,
quien me otorga una ilusión,
me guarda esperanzas
para poder comer otro día, triste.
© 2022 Elías Enrique Viqueira Lasprilla (Eterno).
España.
El ser humano siempre ha buscado el síndrome del amor a través de múltiples facetas del arte, pero la que más llega directamente al corazón y el alma es la poesía. Es una de las bellas artes de la rama de la escritura, constante movimiento de la mano con la que se forjan historias de numerosos personajes, sentimientos y emociones. Cada letra que une palabras es para un sentido romántico, pasional y hasta erótico.
La poesía es un género literario
que escribe en verso o prosa poética. Se divide en tres tipos: lírica, que se canta; dramática,
de una manera teatral; y la épica. Sin
embargo, la poesía pertenece hoy día a la lírica en general con tal de identificarla
de la narrativa, que es la prosa pura.
Antiguamente, Platón la describía como “la palabra que abarca toda la literatura”.
El concepto de artista nace entonces para
todo tipo de este género, incluido el artesano,
ya que hace esencia de la creatividad como la
gnosis del arte lírico. No obstante,
no estaba íntegramente dedicada a la escritura como tal, sino al canto en un
auditorio por una persona que tocaba la lira para el público. Se hacía maestría
con la voz, que era lo que realmente importaba, por la que el sentimiento
profundo del amor llegaba a todo lugar.
En Roma, la poesía vive por el andén del ritmo,
la cadencia y el sonido.
El sentimiento lo nace profundamente religioso, por lo que el sentido romántico
lo tiende a aparcar. Los versos de este tipo
de poesía eran medios, con los que se relataban ideas o situaciones que
cobraban inspiración mundana. Era un síndrome hacia el mundo filosófico.
La poesía más antigua que se conoce data de varios siglos antes
de Cristo. El Poema de Gilgamesh, narración
en verso de las aventuras del rey con el mismo nombre, muestra los primeros
cantos. Es una obra épica de Sumeria, está hecha en arcilla y con símbolos
cuneiformes. Se data de hace 2.000 años antes de Cristo. Otra obra conocida es
la Ilíada, de Homero,
es una epopeya griega que consta de más de
15.000 versos y está dedicada a narrar los acontecimientos de la guerra de Troya.
Son obras de arte
escritas que eran compuestas para ser habladas, lo que es la comunicación oral de antaño para expresar ideas cultas sobre el
mundo, una situación, la religión, leyendas sobre héroes, mitos o también para
la invocación de los dioses. Eran fragmentos tan novedosos que fueron sellados
al mundo como cultura intocable. Lo bueno de
esto era la comunicación externa, es decir,
la poesía viajaba de pueblo en pueblo en su extensión por llegar a cualquier
persona, fuera de las civilizaciones. Las obras cantadas marcaban un recuerdo
mejor impregnado, por lo que la lírica poética
era la forma más reverenciada y considerada única.
La rima es lo que más destaca de la poesía, aparte de las asonantes y consonantes.
Se coloca al final de los versos con el fin de que el sonido que procesa sea
similar al del siguiente. De esta manera, la llegada de esta información “cantada”
modera el uso del lenguaje a uno más cantautor. La aliteración
es el método por el cual se repiten los sonidos, a fin de obtener de los sinónimos
una misma voz “rimada”. Estas características se pueden ver como ejemplo en un
poema épico de Beowulf, en el que se empleaba
este tipo de versos.
La poesía se divide en versos y estrofas, de modo que se logra un texto limpio y centrado. Por cada verso y dada su
cantidad de recurso lírico, se considera que puede tener un nombre u otro,
como, por ejemplo, los pareados, aquellos que sus rimas finales se muestran en dos
versos; o un triplete, que designa rima en
tres de sus versos. Sucesivamente, se considera un poema
medido como aquel que contiene un número finito de tonos y sonidos,
la cadencia que marca el ritmo del poema. Se
denota que los estribillos utilizan algo
semejante, por lo que los sonidos se repiten suave y constantemente.
En la poesía china se escalda el verso penta y heptasílabo, conocidos en
aquellos que se cultivaron más como los Lüshi
y los Jueju. Destacaban los poemas del
artista Li Bai y de Bai
Juyi en una enorme antología de más de 40.000 poemas, junto con
otros poetas, dignos de la dinastía Tang, que
se titulaba Todos los poemas de la Dinastía Tang.
Existía un movimiento, el de la lengua
antigua, que proclamaba sobre la época anterior, la Han,
un ritmo y sonido más excelsos y menos tornados a ser una elaboración compleja.
En este tipo de arte chino, destacaba posiblemente Han
Yu como el mejor escritor chino de todos los tiempos.
Hacia el siglo viii, la poesía japonesa
obtenía especial importancia en su forma: el haiku,
una composición de tres versos de cinco
y siete sílabas dedicados a la naturaleza u otras artes de expresión por la
filosofía. Derivaba de los tankas.
Los conocidos como trovadores,
provenientes de Francia, nacían de Provenza y recorrían sus obras los caminos cantados
con instrumentos musicales por poetas italianos de la Edad
Media (siglo xiii).
Uno muy conocido, Dante Alighieri, se hizo
famoso por su obra Divina Comedia.
La poesía castellana
utilizaba recursos de medición de versos con los que estructurar el poema, así como
el ritmo, la aliteración y su estilo. Se mide según sus sílabas cortas o
largas. Se popularizó el verso octosílabo. El
encanto por la sílaba tónica o átona indicaba mejor el cambio de sonidos. Se
concentra su fin en la musicalidad poética.
Con la llegada
del Postmodernismo, el clasicismo poético
fue degradándose poco a poco hasta tomar diferentes estilos. Se regentaban
propios y se encauzaba a un valle más libre del sonido. Los términos
occidentales se ven flagelados por nuevos poetas que, con una rama creativa más
ligada al papel que a las formas, lograban bellezas vanguardistas.
En la actualidad, la poesía marca un sentido social.
Utiliza un verso libre, fácil de redactar y
de sentimiento más obvio, no tan crítico con su recurso literario. Se libera de
esas restricciones que se daban en los clásicos. Es la llamada metapoesía o poesía vehicular
del nuevo milenio. Surgen nuevas corrientes como el poema
visual, los poemas agresivos,
poemas de una mezcla entre clásico y moderno, entre otros.
La poesía ha tenido una amplia raíz hasta terminar por convertirse
en un árbol que jamás terminará, pues de sus versos nacen otros que ligan
esencias con la naturalidad única de que la vida de un poeta, aunque mortal,
perdure por siempre en su legado, hecho papel, pluma y tinta.
© 2022 Elías Enrique Viqueira
Lasprilla (Eterno).
España.
Ese individuo criticón,
aquejado de todas sus moscas,
la peste la ventilan con ironías,
risas y fiestas del tirón.
Hay personas que son del balcón,
no son más que cubos de basura;
toda palabra mala que se les urda,
las encestan con burla a traición.
Son los vertederos de la ocasión,
de las malas palabras y frases astutas,
se llaman inteligentes y educados,
cuando estos no hacen daño ni a Dios.
¡Qué mala vida, Señor!
Aguantar a estas ratas miserables,
¿qué problema tienen con el mundo?
Tal vez busquen un radical bofetón.
© 2022 Elías Enrique Viqueira Lasprilla (Eterno).
España.
El ser humano siempre se ha movido por representar del mundo lo que su imaginación es capaz de replicar, o inventar. Nuestro cerebro está configurado para retratar ídolos y símbolos de una manera voluntaria. La escultura es una de las bellas artes consideradas como la esencia mágica del “músculo humano”, es decir, logra calcar a la perfección la fisionomía del cuerpo en un “trozo de piedra”.
El empleo de la
escultura data desde la Prehistoria, donde las gentes de aquella era motivaban a sus
personajes religiosos mediante figuritas de distintos materiales, todo con un
significado ritual. Estos cultos pasaron de ser tal para considerarse meras
decoraciones, hasta que fueron rechazados por algunos hombres importantes de la
Historia, como Moisés, por ser una falsa
adoración a un dios inexistente.
Este arte se
informa desde el Paleolítico, época en la que el ser humano ya trabajaba herramientas,
aunque demasiado rústicas. Se usaba una piedra contra otra para formar un
bifaz, utensilio capaz de cortar y tratar materiales. Y, gracias a esto, logró hacer
las primeras esculturas en miniatura, hechas de marfil o de otros elementos y
con formas humanas y animales. Una destacable es la Venus
de Willendorf (24.000-20.000 a.C.).
Tras el
descubrimiento de los metales en la Era de Hierro, los
celtas consiguieron transformar estas labores
en algo más “profesionales”. Recapitulaban imágenes de la naturaleza en sus
espadas, escudos y accesorios. Aprendieron la cultura
del Tène. A partir de aquí, empezaron a tomar mejor precisión en los
cortes trabajando la madera, piedra, bronce y hierro.
La escultura sumaria es probablemente la cuna de la Edad
Antigua. Sus obras estaban decoradas con vestimentas por rangos
correspondientes a jerarquías sociales, mientras que el desnudo lo empleaban
solo para aquellos personajes caídos en combate. Estaban hechas de arcilla,
pero también expandieron el uso del ladrillo ornamentado y otros materiales por
el resto de mundo. Unos ejemplos de este arte se muestran en el palacio de Persépolis y en el Palacio
Real de Susa (404 - 359 a.C.).
Los egipcios trataban más la piedra para sus esculturas, que estaban
dedicadas a sus dioses. También en cultos a los difuntos fabricaban estatuillas
donde guardar los órganos de sus muertos. Igualmente consiguieron alzarse como
los reyes del mundo con estatuas gigantes en amor a sus deidades, faraones y
templos majestuosos. Un ejemplo de esto se puede contemplar en Petra, yacimiento arqueológico del que se sabe que
fue fundado a finales del siglo viii a.C. Sin embargo, las esculturas de los egipcios
no eran dinámicas, sino estáticas con las extremidades pegadas al cuerpo y con
falta de detalle. De sus obras para personajes importantes destaca el busto de Nefertiti (1345 a.C.), hecho de piedra
caliza y yeso. Esta era la esposa real del faraón Akenatón.
Las primeras técnicas de escultura se hallan sobre el siglo v d.C., donde se habla del Canon de Policleto, que define la armonía entre las
distintas partes del cuerpo. Esto se llama contrapposto.
En Grecia, durante el período helenístico, las obras alcanzaron un grado mayor de
nitidez y detalles. Policleto, Fidias y Mirón
son los considerados maestros del estilo clásico.
Se asienta el movimiento, el dinamismo y las obras más complejas, como Laooconte y sus hijos, donde el desnudo
destaca “enredado” en una multitud de masajes al aire como si fuera un baile.
La belleza para los griegos era esencial, ya que representaba las matemáticas perfectas jamás creadas por los dioses.
La estética era el numen que condimentaba las
obras con escenas tan bien hechas que parecían fuera de la realidad. Multitud
de esculturas se lograron gracias a esto, como Hermes
con el niño Dionisio, el Auriga de
Delfos o los Bronces de Riace.
De la cultura etrusca se
defiende el uso de los utensilios como una obra de arte, desde cacharros de
cocina hasta obras más difundidas religiosamente, así como entierros dignos de
riqueza y relieves logrados con el uso de la terracota en sus construcciones,
escenas en planchas y motivos asombrosos en sus capiteles. Sin embargo, la
belleza se perdía con el paso del tiempo hasta tomar formas más rudimentarias.
Gracias al
contacto con los griegos, la escultura
romana vivía una forma exquisita. Las
mezclas entre culturas europeas y Oriente
posibilitaron una evolución mayor para Roma.
Durante el siglo iii
en adelante, el apogeo todavía por el paganismo se veía inmerso en esta arte
renovada. Destacaba, aparte y gracias por el dominio extranjero, adoración por
obras de artistas maravillosos. Pero lo que más se arraigaba a los romanos era
el credo por el retrato. El busto de Marco Aurelio,
el de matrona de la dinastía Flavia o el de Augusto era un ejemplo claro de ser míticos
personajes por el infinito de la Historia. Eran guardados en santuarios
familiares, llamados lararium.
Durante la Edad Media, el Imperio bizantino
fue clave en el nuevo arte de esculpir. Sus obras se encajaban en sus
construcciones como templos, capiteles, pedestales, etc. con motivos florales y
ornamentos místicos. Uno de estos ejemplos puede verse en San
Vidal de Rávena. Se trabajaban las incrustaciones en bronce, como en
las puertas de la Iglesia de San Miguel de Hildesheim,
reverenciada al arte bizantino y carolingio. Existe también una gran variedad con el
uso del textil, cerámica, metales y cristales en sus muros de construcciones
arquitectónicas, así como ornamentadas bóvedas de cañón, arcos de medio punto y
pórticos donde representar la belleza de este arte en su amplia magnitud.
La obra del Pórtico de la Gloria, de la Catedral de Santiago de
Compostela, del Maestro Mateo, allá
por el siglo xii,
luce en la Edad Media como una obra destacada
del hieratismo románico hacia el gótico. El primero se expandió por Europa desde el siglo xi con una distinción que tiraba
a formar parte como monumento en vez de singular escultura. Se empleaba la
madera como material referente a la humildad. Las obras más importantes fueron
las de los Cristos Majestades,
iconografías populares por su majestuosidad y sin sufrimiento.
El salto al gótico se dio por el siglo xiii en adelante y cobraba
especial atención las alabanzas religiosas en las portadas de las iglesias. Los
santos, apóstoles y demonios eran los más representados. La puerta de la Catedral de Chartres (1145 d.C.) es un ejemplo de
estas obras de artes oscuras que flagelaban el ánimo de los feligreses con el
temor de ser condenados al Infierno por sus actos. Sus gárgolas
son las piezas denominadas de este intervalo de tiempo, estatuas que infundían
pánico o eran utilizadas para espantar al Mal.
El Renacimiento marcará una época de grandes cambios hacia la renovada
perfección clásica. La nitidez y la belleza ideal eran lo más importante para muchos
artistas, y el futuro de la escultura.
© 2022 Elías Enrique Viqueira
Lasprilla (Eterno).
España.
Cuando todos seamos bosques
veremos la gran diferencia:
somos iguales a ellos,
nada es diferente, ni los dioses.
Encontrar una mentira en esos señores
es buscar la verdad en un demonio;
saber elegir nuestro camino
es poder crear nuevos rumores.
Andar con tantos amores
es inventar una falsa estrategia;
conquista tu alma,
y conquistarás todos los corazones.
© 2022 Elías Enrique Viqueira Lasprilla (Eterno).
España.
La pintura es una de las artes más bellas del mundo porque con ella se puede expresar en una imagen, millones de palabras. Desde la Prehistoria, que fue cuna de la misma, hasta los días actuales el arte ha sido un elemento esencial en la Humanidad, su máxima expresión, comunicación y el sentimiento que emociona a quien contempla sus obras.
Tomó inicio desde la Edad de Piedra
hasta la Edad de los Metales (25.000 a.C. -
1.000 a.C.). Eran pinturas rupestres
consideradas únicas en el planeta Tierra porque representaban a los primeros hombres que aprendieron
a dibujar y pintar. El material
utilizado era de un rojo oxidado de hierros o
de la arcilla. Consideraban que sus dibujos tomaban la forma de “dioses” al
esquematizar formas animales que creían ser sus guardianes cotidianos.
Por la Era Antigua, Egipto era
probablemente el “mejor pintor” del mundo de su época, ya que desarrolló escritura en forma de imágenes (símbolos) con los que, aparte de enamorar la
vista, también utilizaban esta arte a modo de comunicación
en texto. Se inició a partir del 3.000 a.C. y pudo durar hasta la conquista de Alejandro Magno. En sus dibujos,
predominaba siempre el perfilado de los iconos, aparte de una jerarquía entre
unos y otros para facilitar el significado. Su simbología
era preferentemente religiosa y política.
En Grecia, el arte tomaba más un camino naturalista,
y la distancia entre lo desigual era tan amplia que casi rozaban a la perfección.
Aquí se empezó a formar el arte clásico (fuente
de: www.wikipedia.org), que se fomentaba más en la cerámica con tonos rojos, y
constaba de dioses o historia. Era un arte encantador y se expandía por todo su
período hasta extrapolarse hacia otras fronteras.
El arte medieval era puramente una esencia religiosa.
Se podía demostrar en sus textos bíblicos con imágenes que llegaban hasta lo más
profundo del alma (arte románico), pero para
provocar terror con la malignidad que podía engendrar obedecer al Diablo, y no a Dios
(arte gótico). Esto era excesivamente marcado
por el mundo clerical, que sentaba bases
tanto en escritura como en pintura el avasallamiento religioso, a la vez que
hermoso. Unos buenos ejemplos de estas dos artes son: Anunciación,
de la Iglesia de Sant Pere de Sorpe y El beso de Judas (1304-1306 d.C.,
fresco de la Capilla de los Scrovegni,
Padua).Tras la caída del Imperio Romano, Europa fue el punto álgido. Reinaba el feudo, las guerras abundantes, los saqueos y la expansión del cristianismo. Pero no todo era oscurantismo y enfermedad. En el Imperio bizantino, la denominación del oro en la
pintura era tan excelsa como suprema. Este tipo de colorido efectuaba en las
personas la necesidad de sentirse más alta de lo normal, emocionalmente: orgullo emperador. Lo podemos observar en el
Pantocrator (1080-1100 d.C.), de Dafni. La pintura de esta parte de la Historia
tomaba género paleocristiano y helénico, incluso otros, y sus figuras se
contemplaban con una técnica más perfeccionada de lo que era antes de entrar la
pintura al mundo humano.
El Renacimiento marcó una época maravillosa para el arte. Tal vez
considerada la mejor que pudo experimentar el ser humano. Se fundamentó en el
siglo xv
hasta el xviii.
Las experiencias descubridoras, la exploración y diferentes tipos de cambios
abundantes hicieron de esta arte la expresión perfecta para la pintura, aparte
de otras. Artistas como Leonardo Da Vinci,
famoso por La Gioconda (1503-1506 d.C.) y
genio indiscutible, fue quien introdujo el sfumato
(perspectiva aérea) con la que obtener en sus
obras una mayor calidad y nitidez. Con la entrada del Manierismo,
Miguel Ángel era el destacado, conocido también
por sus pinturas en la Capilla Sixtina. También
Tiziano, quien pintó Venus
de Urbino (1538 d.C.). Buscaban la naturaleza, la expresión propia y
el éxtasis de lo más llamativo de la vida, además de religioso. Las Meninas (1656 d.C.), de Diego
de Velázquez, es una de las obras que más importancia cobra en el Barroco. Se pasaba al naturalismo
y a lo claroscuro en las obras, aparte de
muchos otros estilos. Pero el Neoclasicismo
desenterró lo clásico con el que hacer monumentos pictóricos, como el Juramento de los Horacios (1784 d.C.), de Jacques-Louis David.
El arte contemporáneo ya
cobra un talante más romántico. La Revolución Industrial y grandes influencias
manejaban esta etapa con mano exigente. El arte moderno
nace de esta actividad por concluir una era antigua para empezar una nueva. Aquí
la espiritualidad gana un terreno especial
con el sentimiento profundo. Lo podemos observar en La
Libertad guiando al pueblo (1830 d.C.), de Eugène
Delacroix. Es un llamado al Realismo
que cita la imagen de una historia llevada a otro plano, con el fin de alcanzar
los puntos más sensibles del ser humano. Con la aclamación del Impresionismo, el arte
vanguardista cobró liderazgo. La naturaleza
era el canon perfecto con estilo ligero y tonos paisajísticos, como en la Impresión: sol naciente (1872-1873 d.C.), de Claude Monet. Variadas técnicas surgieron en esta época
con datos modernistas y simbólicos, incluido el surrealismo
y la abstracción, como el Guernica (1937), de Pablo
Picasso.
El arte ha logrado en el ser humano un amplio catálogo de
maravillas visuales hasta el punto álgido de ser una cima en su propia pirámide.
Desde la Antigüedad hasta los días actuales, aún se siguen desarrollando técnicas
asombrosas con las que encantar los ojos de quien quiere ser poseído, por las
mentes más brillantes.
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Lasprilla (Eterno).
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La música
La música es probablemente una de las mejores artes que existen en
el mundo porque todas las personas la escuchan a cualquier momento del día, sea
donde sea. Es considerada la belleza auditiva
por excelencia, y va desde ritmos lentos hasta rápidos. Incluye formas de
relajación también, así como de optimismo y para infantil. Pero, ¿qué es la música?
Según el Diccionario de la Real
Academia Española (DRAE), es el “arte de combinar los sonidos de la
voz humana o de los instrumentos, o de unos y otros a la vez, de suerte que
produzcan deleite, conmoviendo la sensibilidad, ya sea alegre, ya tristemente”.
Con esto podemos decir que la música puede “introducirse” en nuestro cerebro
como una mano suave que lo masajea con sonidos capaces de remover los cimientos
de nuestro ser de manera auditiva.
Desde que los neandertales existieron por más de 100.000 años a.C., convivían con
otros de su especie sobre los 40.000 a.C., que eran más inteligentes y dotados
de cierto ingenio, ya que pintaban, se entendían
con un sistema de comunicación propio más sofisticado, gozaban de resolución de
problemas, etc. Estos ya tenían en su poder la creación
de la música, pues, según www.publico.es,
se conoce un yacimiento alemán donde se desenterró, en Hohle Fels, en el 2008, una flauta de hueso con su sonido característico. Se
data de 35.000 años de antigüedad y hace referencia al
arte musical más antiguo hasta el momento. Desde entonces, la música
comenzó a desarrollarse como algo único para el ser humano.
La música concierne terapia, sensualidad, relajación y
cualquier conglomerado de emociones y sentimientos. En Egipto,
la música era más un santuario
para el culto que para los festejos. Se empleaba la lira
como instrumento preferido, pero no el único. Sus ceremonias
eran consagradas bajo este arte.
En Grecia, era el centro de todo. La música
gozaba ya no solo para la religión en específico, sino para todo tipo de ámbitos.
Era un “medio de transporte” para que la mente viajara hacia fuera de este
mundo. Movía estados y culturas hacia otros
países. Se convertía en un valor humano, artístico-cultural
y económico. Se relacionó con los poemas épicos
y empezaba a agilizar dinero. Los vagabundos musicales marchaban de lugar en
lugar con su lira para transmitir notas cortas y largas con las que hacer
conocida esta arte más allá de sus límites intramuros.
Hasta en Oriente, se conoce que en China,
en su época más antigua, era un símbolo para
la música. La transcribían en letras con las
que leer la música. Intentaban lograr un sonido perfecto, por lo que trabajaban con tubos con los que hacer desde quintas
sopladas hasta la octava. Esta
labor les llevó hasta el siglo xvi, cuando el príncipe Tsai-Yu propuso remodelar los
tubos según un principio equivalente al temperamento igual (fuente de www.wikipedia.org).
En la Edad Media, la música continuaba con su cobertura por la religión. Ya
los cantos gregorianos eran su fama por la fe
inamovible por esta época. Sin embargo y por los siglos xi y xii, aparecieron los juglares, trovadores
y otros artistas ambulantes. Con la inserción de las escuelas
de música italianas y francesas, se tomó como expresión el Ars Nova o movimiento de producción musical
avanzado antes del Renacimiento, y que servirá
como hito para el Humanismo.
En el siglo xv, la llegada de las escuelas
flamencas significó un gran apoyo económico para la polifonía, por
lo que Europa experimentaba una maestría de la música que jamás hubiera conocido. Josquin Des Pres, artista musical de la época, su
estilo único del contrapunto y semitono revolucionó tanto a las gentes que lo
adoraban como a genios de su mismo talento.
La música barroca asentó su dominio en toda Europa. Venía desde Italia y culminó con nuevos avances como el cromatismo, expresividad, intensidad, ópera,
sonata, etc. Era más “alemana”
de lo que se otorgaba como en su inicio, ya que en este país fue donde logró tener
mayor éxito. Destacaban los violonchelos, contrabajos y fagots,
entre otros instrumentos musicales, de los que dotaban de magníficas orquestas para quienes deseaban llenar sus oídos de
placer divino. Grandes compositores nacían en
esta época, como Bach, Vivaldi
o Scarlatti.
Con la llegada
del Clasicismo (siglos xviii y xix), la música tomó un enfoque
más evolutivo desde el Barroco.
Destacaba el compositor Mozart como uno de
los más famosos de la historia de la música, ya que su trayectoria relegaba de
lo simple para llevarlo a lo más complejo del mundo: hablarle al alma.
En el plano del Romanticismo, autores como Schubert o
Chopin consagraban la música como otra manera
de sentir. Manejaban poemas en piano para el
público que deseaba encontrarse con esta maravilla con el paso del Clasicismo
hasta esta época de la Historia.
Por los siglos xix y xx,
el Impresionismo conocía la necesidad de
nuevas “especies” de notas, fusiones entre ellas o combinar de manera más “elocuente”
con el público. El timbre era un recurso
esencial para esta etapa, ya que lograba sonidos agraciados con los que caminar
por este pedazo del largo puente del arte de la música. Era más un movimiento pictórico de las notas, una impresión
de ellas. Destacaban aquí los compositores Debussy y
Ravel.
En los siglos
actuales, la música ha venido de compresión tan
avezada que es casi perfecta en su género, ya que siempre se renueva, mejora y
obtiene nuevos géneros distantes de lo clásico, como lo son el pop, rock, rap, entre otros. Pero todo esto tuvo que caminar
antes por ciertas aguas turbulentas. La crisis de la
tonalidad y el atonalismo, que iniciaron anteriores compositores.
Nacía el dodecafonismo como música atonal, es
decir, no había regla entre notas de 12. Schönberg
destacó en esta etapa por inculcar que este sistema debía ser respetado por
ley.
El neoclasicismo pudo recuperar armonías y melodías. Stravinski
o Hindemith, entre otros
compositores, eran los que cargaban con esta responsabilidad de nueva música.
Se combinaban sonidos entre agudos y graves, además de estilos
propios, así como música para ballet o cine.
Por la llegada de
la Era Contemporánea, numerosos artistas consolidaron la música como una nueva
forma de vida, de verla y de sentirla. Era una filosofía.
Con ella, The Beatles (1960-1980) fue un icono mundial de la música rock británica. Se
popularizaron en Reino Unido con el álbum debut Please Please Me, que los
llevaron más allá de sus fronteras con sus guitarras rítmicas, bajos y batería.
También The Rolling Stones (1962-actualidad),
grupo famoso de rock, que con Satisfaction
se extendieron por todo el mundo como la pólvora hasta alcanzar listas números uno en todo el planeta.
© 2022 Elías Enrique Viqueira Lasprilla (Eterno).
España.